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Apr 12, 2024

Die Grammys

Kenny Leon Foto: Walter McBride/Getty Images Nachrichten Nachdem „Hamilton“ den Weg gewiesen hat, stellt sich die Frage, ob Tupac Shakurs Hip-Hop-Musical „Holler If Ya Hear Me“ den Empfang finden wird, den es verdient? Etwas „Kalifornien

Kenny Leon

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Wird Tupac Shakurs Hip-Hop-Musical „Holler If Ya Hear Me“, nachdem „Hamilton“ den Weg gewiesen hat, die Resonanz finden, die es verdient?

Some „California Love“ wird in Atlanta eröffnet12. Septemberals mit dem Tony Award ausgezeichneter RegisseurKenny Leonwiederholt seine Produktion von 2014Tupac Shakur'S "Schrei wenn du mich hörst."

Obwohl das Hip-Hop-Musical zunächst nur einen kurzen Broadway-Auftritt hatte, hoffen vieleLin-Manuel MirandaDer mit einem GRAMMY ausgezeichnete Auftritt mit „Hamilton“ hat den Mainstream dazu gebracht, Hip-Hop auf einer Broadway-Bühne zu schätzen.

Tupac gilt als eine der großen Inspirationen der amerikanischen Kultur, war aber auch GRAMMY-GewinnerHarry Belafonte dem Leon die Rückkehr des Musicals mit einem aktualisierten Libretto zuschreibt. Nach Belafonte änderte sich die gesamte Perspektive des Regisseurssagte„Sie haben eine Form des Afrozentrismus auf einer eurozentrischen Plattform zur Schau gestellt. Das ist an sich schon ein Erfolg.“

Während Leons True Colors Theatre Company diese kreative Zusammenstellung von Tupacs Worten, Musik und Einsichten wiederaufnimmt, könnten wir alle davon profitieren, den Geist von „I Ain't Mad At Cha“ zu übernehmen und Tupacs Vermächtnis auf die zwingenden Herausforderungen der heutigen Zeit anzuwenden.

Rückblende: Tupac stellt Kiss bei den 38. GRAMMY Awards vor

Liste

In den 90er-Jahren verließ Hip-Hop offiziell den Untergrund und verwandelte sich in kommerzielle Fanfare. Während des goldenen Zeitalters des Hip-Hop waren Rapper in ihrem Stil und ihren Texten vielfältig und schufen Musik, die heute legendär ist.

Vor drei Jahrzehnten vollzog der Hip-Hop den Wandel vom Underground zur kommerziellen Fanfare. Die vielseitigen Sensibilitäten der 1980er Jahre schufen Raum für Künstler aller Couleur und führten zum goldenen Zeitalter des Hip-Hop und zu Veröffentlichungen, die heute als integraler Bestandteil des Genre-Kanons gelten. In den 1990er Jahren war Hip-Hop ein Top-Unternehmen und ein Unternehmen, in dem Künstler durch Streetwear-Kampagnen und Markendeals populär gemacht wurden.

In diesem Jahrzehnt waren Rapper in ihrem Stil und ihren Texten vielfältig – ob schroff und energisch oder poetisch und ausdrucksstark. Künstler wie die psychedelische Hip-Hop-Gruppe De La Soul, die anzügliche Femcee Lil' Kim und die aus Atlanta stammenden Schwergewichte Outkast erweiterten die Rap-Palette. Die Beats reichten von synthetischen bis hin zu gewichtigen 808-Drum-Patterns, die allesamt die 20-jährige Präsenz des Genres neu definierten.

Hip-Hop zeichnete Wahrheit und Fantasie auf und lieferte den Zuhörern sowohl einen zutiefst resonanten als auch lebendig abwechslungsreichen Soundtrack, dessen Einfluss bis heute spürbar ist. Jahrzehnte später sind die in den 1990er Jahren veröffentlichten Platten legendär, und viele von ihnen erschienen auf der Bühne der 65. GRAMMY-Verleihung als gewaltige Hommage an den Hip-Hop. Hier sind 10 Signature-Alben, die eine Brücke zwischen dem goldenen Zeitalter und dem digitalen Zeitalter des Hip-Hop schlugen.

1991 hatten die bewussten Hip-Hop-Pioniere De La Soul das „DAISY-Zeitalter“ überschritten, das auf ihrem bahnbrechenden Debütalbum 3 Feet High and Rising eingeführt wurde. Das Long Island-Trio, bestehend aus Posdnuos, Maseo und dem verstorbenen Trugoy the Dove, peppte seinen Sound auf dem zweiten Album De La Soul Is Dead auf und markierte damit einen radikalen Übergang von Hip-Hop-„Hippies“ zu ernsthaften Reimsagern.

Posdnous und Trugoy kombinierten in „Pease Porridge“ eine einfache Inszenierung (mit freundlicher Genehmigung von Prince Paul) mit komplexen Takten und untersuchten in „Millie Pulled a Pistol on Santa“ auch die Traumata sexuellen Missbrauchs anhand von Metaphern. Obwohl De La Soul Is Dead gemischte Kritiken erhielt, war die LP eines der ersten Alben, das in der Hip-Hop-Publikation The Source eine Fünf-Mikrofon-Bewertung erhielt. „De La macht immer noch Fortschritte und ist stolz darauf. Es ist ihm gelungen, der Falle im Zweitsemester-Fluch mit Grooves zu entkommen, die härter als eine Mauer sind“, heißt es in der Rückblick-Rezension.

Mit „De La Soul Is Dead“ entkam die Gruppe, deren Backkatalog erst im März auf digitalen Musikdiensten erschien, dem gefürchteten Einbruch im zweiten Jahr und festigte ihren Platz in der Hip-Hop-Geschichte.

Nachdem Calvin Broadus – damals unter dem Pseudonym Snoop Doggy Dogg – sein bahnbrechendes Album Doggystyle veröffentlichte, war der Westküsten-Rap nie mehr derselbe. Snoop ließ sich von klassischen Blaxploitation-Filmen und frühen Funk-Pionieren inspirieren und behielt seine Haltung bei, während er sich zu Beats von Dr. Dre reimte (der den gebürtigen Long Beacher ebenfalls entdeckte), und begrüßte damals auch Newcomer wie The Lady of Rage und Tha Dogg Pound , Warren G und RBX als Features.

Indem er den Zuhörern „nur eine kleine Einführung in die G-Funk-Ära“ gab, trug Snoop dazu bei, einen gefühlvollen Gangsta-Rap-Sound einzuläuten, der in deutlichem Kontrast zur Grobheit und dem Jazz-Einfluss der Ostküste stand. Die ikonischen Songs „Gin and Juice“ und „Who Am I (What's My Name?)“ gehören seit langem zu den Klassikern der Grillpartys im Sommer, während das unheimliche „Murder Was the Case“ nur drei Jahre später Snoops Freispruch wegen Mordes vorausging. Doggystyle, inzwischen 16-facher GRAMMY-Nominierter, markierte Snoops Debüt als Hip-Hop-Elite.

Nach drei Alben ihrer Karriere ließen A Tribe Called Quest bei Midnight Marauders nicht nach. Die aus Queens stammende Gruppe, zu der Q-Tip, der verstorbene Phife Dawg, Ali Shaheed Muhammad (und gelegentliches Mitglied Jarobi White) gehörten, stellte auf der Veröffentlichung von 1993 ihre Lyrik und ihr umfangreiches musikalisches Wissen zur Schau, das von einem Roboter-„Tourguide“ gesteuert wurde.

Das Wortspiel von Q-Tip und Phife ist auf dem gesamten Album flink, wird aber auf der von Trugoy the Dove unterstützten „Award Tour“, dem verliebten „Electric Relaxation“ und „The Chase, Pt. II“ wirklich ins Rampenlicht gerückt. „8 Million Stories“ und „Midnight“ waren Solo-Momente für Phife Dawg bzw. Q-Tip, die beide seit ATCQs Neuinterpretation von „The Low End Theory“ im Jahr 1991 ihre Schreibkunst aufgefrischt hatten. Sowohl atmosphärisch als auch einfallsreich präsentierten Midnight Marauders die Bandbreite von ATCQ als progressiven Hip-Hop-Act.

Das Jazz-Rap-Trio Digable Planets behielt seine Coolness bei, nur ein Jahr nachdem es einen GRAMMY Award für die beste Rap-Performance eines Duos oder einer Gruppe gewonnen hatte. 1994 folgten Ishmael „Butter Fly“ Butler, Mariana „Ladybug Mecca“ Vieira und Craig „Doodlebug“ Irving mit Blowout Comb, ihrem zweiten und letzten Studioalbum. Mit einem minimalistischen Ansatz wanderte Digable Planets durch urbane und afrozentrische Themen, untermalt von Live-Instrumenten und gesprochenem Wort.

„Black Ego“ ist emotional mitreißend und thematisch und zeigt, wie sich Digable Planets mit wirtschaftlichen Ungerechtigkeiten und schwarzem Nationalismus auseinandersetzt und dabei an die Blaxploitation-Filme „Cleopatra Jones“ und „Superfly“ erinnert. Die Gruppe bekräftigte ihre Weigerung, mit dem entspannten Ohrwurm „Jettin“ kommerziell zu arbeiten. Der Slang der Siebzigerjahre und Anspielungen auf New Yorker Stadtbezirke waren in Blowout Comb zu hören, und obwohl die Singles „9th Wonder (Blackitolism)“ und „Dial 7 (Axioms of Creamy Spies)“ nicht in den Charts landeten, stellte das Album Digable Planets in ihrer authentischsten Form wieder vor und erreichte Platz 32 der Billboard 200.

Mit einer von seinen Zeitgenossen unerreichten Sensibilität erforschte Tupac Shakurs vorletztes Album „Me Against the World“ seine Komplexität. Im März 1995 saß der Rapper wegen sexuellen Missbrauchs einen Monat im Gefängnis und nutzte das letzte Jahr seiner Freiheit, um die wohl ergreifendste LP seines Lebens aufzunehmen.

Im Titeltrack untersuchte Shakur verarmte schwarze Gemeinschaften und krankhafte Gedanken an die Sterblichkeit. Eine Auswahl von Stevie Wonders „That Girl“ texturiert „So Many Tears“, wo 2Pac die Nöte der Musikindustrie, seine Depression zum Ausdruck bringt und sogar einen frühen Tod vorhersagt. „Dear Mama“ (das die gleichnamige FX-Dokumentation inspirierte) war 2Pacs Widmung an seine Mutter und ehemaliges Mitglied der Black Panther Party, Afeni Shakur; Es war das dritte Lied eines Rap-Acts, das in die Library of Congress aufgenommen wurde.

Letzteres Lied und „Me Against the World“ würden Shakur beide seine ersten GRAMMY-Nominierungen einbringen. Obwohl er nicht gewann, sind beides Meisterwerke, die das Erwachsenwerden des Rappers signalisierten.

Jay-Z lieferte bei seinem Debüt 1996 einen soliden Text ab. Das 14 Titel umfassende Album „Reasonable Doubt“ war ein Meilenstein der inzwischen aufgelösten Roc-A-Fella Records und brachte Mafioso- und Luxus-Rap in den Ring, während Jay-Z halbautobiografische Geschichten über das Straßenleben erzählte.

Auf „Feelin‘ It“ prahlt der Rapper aus Brooklyn mit seinem Reichtum und seinem opulenten Lebensstil, während das Issac Hayes-Sampling „Can I Live“ die Engpässe erkundet, die die Hektik mit sich bringt. Hovs bewusster Fluss hob die Produktion von Künstlern wie Ski Beatz, DJ Premier und Clark Kent hervor.

Reasonable Doubt hat Jay-Zs blühende Zukunft ohne Zweifel vorhergesagt, da er seitdem als begehrter 24-facher GRAMMY-Gewinner (zusätzlich zu 88 Nominierungen) den Hip-Hop-Thron bestiegen hat.

Die Brooklynerin Lil‘ Kim schuf 1996 mit ihrem Solo-Durchbruch „Hard Core“ Raum für gewagten Rap. Weniger als sechs Monate nach der Ermordung ihres Mentors, des Notorious BIG, erzielte das ehemalige Junior-MAFIA-Mitglied aufgrund ihrer provokanten Lyrik und ihres Auftretens kommerzielle Soloerfolge. Während viele ihrer Zeitgenossen einen eher androgynen Stil annahmen, brachte Lil' Kim ihren Sexappeal auf der Bühne und in den Platten zum Ausdruck.

Das schlüpfrige „Big Momma Thang“, das den Sylvester-Deep-Cut „Was It Something That I Said“ von 1978 probiert, zeigt Lil Kims Verbundenheit mit queeren Hörern. Lil' Kim bekräftigte in „No Time“ ihre Dominanz in der Community und stellte gleichzeitig ihre Vorliebe dafür zur Schau, edel „in Diamanten und Perlen gehüllt“ zu sein. Obwohl „Hard Core“ mäßig aufgenommen wurde, lobten Lil‘ Kims Rap-Nachfolger – Doja Cat, Megan Thee Stallion und Cardi B – später die NSFW-Anziehungskraft von Queen Bee in höchsten Tönen. Fast 30 Jahre später streben zeitgenössische Frauen im Hip-Hop weiterhin nach Lil' Kims unerbittlichem Einfluss.

Hip-Hop hatte den Durchbruch nicht erlebt, bis Missy „Misdemeanor“ Elliott den Tatort betrat. Der in Virginia geborene Rapper und Singer/Songwriter war einst Teil der R&B-Gruppe Sista, bevor er mit dem Produzenten Timbaland zusammenarbeitete. Die beiden haben fast das gesamte Aaliyah-Album One In A Million aus dem Jahr 1996 geschrieben und produziert. In den späten 90ern war Elliotts Feder gefragt und gab ihr das Selbstvertrauen, ihren unkonventionellen Sound und Look als Solo-Act zu teilen.

Ihr Debüt „Supa Dupa Fly“ aus dem Jahr 1997 definierte neu, was es bedeutet, eine Frau im Rap zu sein. Bei Timbalands bassbetonter Produktion ging Elliott völlig futuristisch vor. Sie neckte humorvoll ihre Sexualität in dem kühnen „Sock It 2 ​​Me“, während das lebhafte „The Rain (Supa Dupa Fly)“ die Memphis-Soul-Sängerin Ann Peebles mit seltsamen Texten wie „Meine Finger winken heutzutage, sie fallen wie Humpty“ gesampelt hat.

Zwei Jahrzehnte bevor er in die Rock & Roll Hall of Fame aufgenommen wurde und den Recording Academy Honors Award des Black Music Collective erhielt, eroberte Elliott die Rap-Welt im Sturm. Supa Dupa Fly und Elliotts einzigartiger Stil waren seiner Zeit voraus und doch angekündigt und zeigten den Kollegen und Nachfolgern des Künstlers, wie man kreative Anomalien darstellt.

Der Süden hatte auf Outkasts drittem Album Aquemini etwas zu sagen. Das Duo André 3000 und Big Boi bewies auf dem 16 Titel umfassenden Album seinen südländischen Charme und seine makellosen Reimpläne, die es zum Star katapultierten. Während die beiden Rapper ihren Individualismus perfektionierten, zeigte Aquemini auch, wie 3000 und Big Boi ihre Stile nahtlos miteinander verschmelzen.

Outkast ist spaciger als ihr zweites Album „ATLiens“ und hat mit dem funkigen (aber kontroversen) „Rosa Parks“ noch einen draufgesetzt. Die beiden hinterfragten die Realität dystopischer Technologie im surrealen „Synthesizer“ mit P-Funk-Legende George Clinton. Zuhörer können sich eine Juke-Joint-Szene im Reggae-angehauchten „SpottieOttieDopaliscious“ vorstellen, in der 3000 und Big Boi Geschichten über eine gewalttätige Begegnung in einem Nachtclub und eine verfluchte Romanze miteinander verknüpfen.

Aquemini leitete eine Wende im Dirty-South-Hip-Hop ein, bei dem die Region landesweiten Respekt für ihr Geschichtenerzählen, ihren Realismus und ihren einzigartigen Flow erlangte.

Der Superproduzent und Rapper Dr. Dre brachte auf seinem zweiten Soloalbum 2001 aus dem Jahr 1999 die All-Stars zum Vorschein. Die LP vereinte den mittlerweile siebenfachen GRAMMY-Gewinner mit seinen Wunderkindern Snoop Dogg, Eminem, Xzibit, Nate Dogg und Kurupt und leitete gleichzeitig ein ein neues Zeitalter des Westküsten-Rap. Sieben Jahre nach seinem bahnbrechenden Debütalbum The Chronic war das ehemalige NWA-Mitglied „Still DRE“

Auf dem oben genannten Track, der vollständig von Jay-Z geschrieben wurde, zeigte Dr. Dre seinen fast 15-jährigen Einfluss im Hip-Hop. „The Watcher“ beschrieb den gebürtigen Comptoner, der trotz der Paranoia vor einer „neuen Ära der Gangstas“ in der Musikindustrie ein Plateau erreichte. Die Stripclub-Hymne „The Next Episode“ erinnerte an „Nuthin‘ But A ‚G‘ Thang“ von Dre und Snoop, während „Let's Get High“ eine schlüpfrige Hausparty einfing. Im Jahr 2001, das inzwischen mit 6-fachem Platin ausgezeichnet wurde, zeigte sich Dr. Dre in seiner unbeschwertesten Form und legte gleichzeitig die Messlatte für eine neue Generation von Hip-Hop hoch.

Wesentliche Hip-Hop-Veröffentlichungen aus den 1980er Jahren: Slick Rick, RUN-DMC, De La Soul und mehr

Foto: Silver Screen Collection/Getty Images

Besonderheit

Die amerikanische Ikone Harry Belafonte verstarb am 25. April im Alter von 96 Jahren. Während seiner legendären Musik- und Schauspielkarriere durchbrach Belafonte Barrieren und zeigte ein lobenswertes Engagement für Gleichberechtigung.

Harry Belafontes Tod im Alter von 96 Jahren markiert das Ende eines legendären Lebens und einer legendären Karriere, die nicht nur in der Musik, sondern auch in sozialen Belangen und der Kultur im Allgemeinen glänzte.

Als zweifacher GRAMMY-Gewinner und elfmaliger Karriere-Nominierter hat Belafonte einen Einfluss auf die Recording Academy, der genauso lange anhält wie die Organisation selbst. Der Künstler erhielt 1959 bei den ersten GRAMMY Awards eine Nominierung für die beste Rhythm & Blues-Performance (für sein Album Belafonte Sings the Blues). Drei Jahre später gewann er den Preis für die beste Performance – Folk für „Swing Dat Hammer“. Sein weiterer Sieg kam in Form eines GRAMMY für die beste Folk-Aufnahme für „An Evening With Belafonte/Makeba“. Im Jahr 2000 erhielt er einen Lifetime Achievement Award und drei seiner Aufnahmen sind in der GRAMMY Hall of Fame.

„Harry Belafonte hat einen unermesslichen Einfluss auf die Musikgemeinschaft, unser Land und unsere Welt ausgeübt“, sagt Harvey Mason jr., CEO der Recording Academy. „Durch seine Musik und sein Engagement in der Bürgerrechtsbewegung hat Belafonte seine Stimme genutzt.“ seit den 50er Jahren in Amerika Rassenschranken zu durchbrechen. Es war mir eine Ehre, seinen Einfluss auf unsere Gesellschaft im Laufe seiner beeindruckenden Karriere zu würdigen.“

Belafonte hinterließ in fast einem Jahrhundert seines Lebens einen bedeutenden Eindruck, der beim breiten Publikum und bis hin zu den höchsten Rängen der Kunst und Politik Anklang gefunden hat. Als sich die Nachricht von seinem Tod auf der ganzen Welt verbreitete, tauchten in den sozialen Medien Erinnerungen, Lob und Dank auf.

Quincy Jones, einer von vielen Koryphäen, die heute Belafontes Vermächtnis feiern, erinnerte sich: „Von unserer bevorstehenden Zeit, als wir in den 50er Jahren mit unserem Bruder Sidney Poitier darum kämpften, in New York durchzukommen, bis hin zu unserer Arbeit an ‚We Are The World‘ und allem.“ Dazwischen waren Sie der Vorreiter dessen, was es bedeutet, Künstler und Aktivist zu sein.“

„Er hat mich persönlich so sehr inspiriert“, sagte John Legend und erinnerte sich an Belafontes immensen Einfluss. „Ich habe zu seinen Füßen im Grunde alles über die großartige Arbeit gelernt, die er im Laufe der Jahre geleistet hat, und wenn man darüber nachdenkt, was es bedeutet, ein Künstler und ein Aktivist zu sein, war er buchstäblich der Inbegriff dessen, was das war.“ Der frühere Präsident Barack Obama bezeichnete Belafonte als eine „Barriere sprengende Legende“, die „die Künste veränderte und sich gleichzeitig für Bürgerrechte einsetzte. Und das alles mit seinem typischen Lächeln und Stil.“

Ein bahnbrechender Künstler, der sich nie einfach an die Grenzen hielt

In einem „American Masters“-Interview für PBS im Jahr 1998 dachte Belafonte über sein Leben und sein Vermächtnis nach und bemerkte: „Auf die eine oder andere Weise ist die Essenz des Lebens tatsächlich die Reise selbst.“

Wenn das der Fall ist, kommt Belafontes bedeutsamer Weg von seiner bescheidenen Jugend in Harlem, New York, zu einem erfolgreichen Club-Act, Gesangsstar und Verfechter der Gleichberechtigung einem erstaunlichen Aufstieg gleich, den noch kein anderer schwarzer Künstler zuvor erlebt hatte. Seine samtige Stimme und seine Vorliebe für das Singen von Ohrwurmliedern zusammen mit seinem entspannten Stil machten ihn bei seinem ersten Publikum in den 50er-Jahren beliebt.

Doch Belafonte war kein bloßer One-Note-Easy-Listening-Act; Er trug dazu bei, Calypso bekannt zu machen, war maßgeblich daran beteiligt, Volksmusik in den Mainstream zu bringen, und nahm auch erfolgreich Blues- und sogar neuartige Lieder auf. Manchmal war seine Musik bombastisch („Jump in the Line (Shake, Señora)“), bei anderen Gelegenheiten jedoch geschickt zurückhaltend („A Hole in the Bucket“). Der frühe Hit „Matilda“ beginnt mit einem fröhlichen Pfiff von Belafonte. „Hey! Ma-Til-Da“, singt er kühl.

Belafontes Album Calypso aus dem Jahr 1956 war von seinem Nachtclub-Auftritt beeinflusst und die erste LP, die sich eine Million Mal verkaufte – eine erstaunliche Leistung für ein Genre, das zuvor noch nicht weit verbreitet war. (Infolgedessen fügte die Library of Congress es später dem National Recording Registry bedeutender amerikanischer Werke hinzu.) Calypso wurde als „nicht nur eine weitere Präsentation von Inselliedern“ vermarktet, und seine Linernotes können als Widerspiegelung des „Oft“ gelesen werden komplexe Rolle, die Rasse und Ruhm in Belafontes Leben spielten.

Calypsos „Lieder reichen in ihrer Stimmung von blecherner Fröhlichkeit bis zu wehmütiger Traurigkeit, von zärtlicher Liebe bis zu heroischer Größe“, hieß es damals in den Liner Notes und trugen dazu bei, einem neuen Publikum ein neues Genre zu verkaufen. „Und durch all das fließt der unbändige Rhythmus eines Volkes, das die Fähigkeit, über sich selbst zu lachen, nicht verloren hat.“

Im Laufe seiner Karriere bewegte Belafonte geschickt die Grenze zwischen Mainstream-Hits und Songs mit tieferer Bedeutung. Als es darum ging, „The Banana Boat Song“ aufzunehmen – den sofort erkennbaren Partysong zum Mitsingen von Calypso, der ursprünglich aus einem traditionellen jamaikanischen Volkslied stammt – sagte Belafonte gegenüber „American Masters“, dass das Lied eine „bewusste Entscheidung“ gewesen sei. Singt sein unvergessliches „Day-o!“ Der Refrain sei „schön, kraftvoll“ und „ein klassisches Arbeitslied, das von den Kämpfen der unterbezahlten Menschen und der Opfer des Kolonialismus sprach. In dem Lied ging es um unsere Bestrebungen nach einer besseren Lebensweise.“

Neben seiner Gesangskarriere dominierte Belafonte auch den Broadway. 1954 gewann er einen Tony Award für seine Rolle in „John Murray Anderson’s Almanac“, einer Musical-Revue. Er beschäftigte sich auch mit Filmen, von seinem Debüt 1953 bis zu Spike Lees Film BlacKkKlansman aus dem Jahr 2018.

Er blieb bescheiden, wenn auch nicht leicht beiläufig, was seinen Erfolg anging. „Ich hatte kein Problem damit, in die Welt des Starruhms gedrängt zu werden, weil ich nie darüber nachgedacht habe“, sagte Belafonte 1981 zu ABC News. „Nirgendwo in meinen Kindheitsträumen hätte ich gedacht, dass ich eines Tages in Hollywood sein würde, eines Tages würde ich es tun.“ Am Broadway würde ich eines Tages ein erfolgreiches Album machen. Wie die meisten Schwarzen in dieser Zeit war ich ziemlich zufrieden damit, meine Kunstform auszuüben und hoffentlich irgendwo auf der Welt eine Anhängerschaft zu finden, denn der größere Traum entzog sich allen uns."

Ein Leben voller Aktivismus

Als sein Ruhm zunahm, kollidierte Belafontes Vorliebe für Aktivismus mit einem sich schnell verändernden Amerika, das mit der Unterdrückung der 50er Jahre konfrontiert war und auf die Turbulenzen der 60er Jahre reagierte. Infolgedessen wird Belafontes beeindruckendes musikalisches Erbe für immer mit seiner Leidenschaft für Aktivismus verbunden sein.

Belafonte verkehrte mit den Titanen seiner Zeit: Er nahm an der Eröffnungsgala von John F. Kennedy teil (auf Einladung von Frank Sinatra), ließ sich vom Künstler und Aktivisten Paul Robeson inspirieren und wurde zusammen mit seinem engen Freund Dr. Martin Luther King jr.

Tatsächlich war es Dr. King, der das Treffen mit Belafonte initiierte. „Er kam nach New York, um vor der Religionsgemeinschaft, der ökumenischen Gemeinschaft der Abessinian Baptist Church, zu sprechen“, erinnerte sich Belafonte gegenüber „PBS Newshour“ im Jahr 2018 an ihre erste Begegnung. „Als junger schwarzer Künstler auf dem Vormarsch [zu dieser Zeit] begann ich, zu meinen eigenen Bedingungen ein wenig Lärm zu machen. Ich begann, gegen die Regeln der Rassentrennung zu verstoßen. Ich verstand die Übel des Rassismus und rebellierte seit meiner Jugend.“ Er war 24. Ich war 26.

Mit diesem Treffen begann eine Freundschaft, die die Bürgerrechtsbewegung insgesamt prägen sollte. Belafonte nahm an den Freedom Rides und dem March on Washington teil und moderierte 1968 sogar eine Woche lang die „Tonight Show“, bei der Dr. King einer seiner Gäste war. Der Sänger nahm Kings Ermordung als Ermahnung und engagierte sich voll und ganz für das Streben nach Gerechtigkeit; Er blieb jahrzehntelang ein leidenschaftlicher Aktivist.

Musikalisch beinhaltete diese Leidenschaft den Drang, der Not der Menschen im vom Krieg heimgesuchten Afrika zu helfen; Seine Idee für eine Benefizsingle führte zu „We Are the World“. Der Knaller gewann 1986 die GRAMMYs und gewann die Auszeichnungen „Schallplatte des Jahres“, „Song des Jahres“, „Beste Pop-Performance eines Duos oder einer Gruppe mit Gesang“ und „Bestes Musikvideo, Kurzform“. In den letzten Jahren gründete er die Organisation für soziale Gerechtigkeit Sankofa, veröffentlichte das Buch My Song: A Memoir und war Gegenstand des Dokumentarfilms Sing Your Song. Letztes Jahr wurde er in die Rock and Roll Hall of Fame aufgenommen.

„(Er war ein) leuchtendes Beispiel dafür, wie man seine Plattform nutzt, um Veränderungen in der Welt herbeizuführen“, sagte Questlove auf Instagram. „Wenn es eine Lektion gibt, die wir von ihm lernen können, dann ist es: ‚Was kann ich tun, um der Menschheit zu helfen?‘“

Er fügte hinzu: „Danke, Harry Belafonte!“

Von Aretha Franklin bis Public Enemy: So haben Künstler durch Musik soziale Gerechtigkeitsbewegungen verstärkt

Foto: Rachel Kupfer

Liste

James Brown veränderte den Sound der Popmusik, als er die Kraft dieser Musik entdeckte und mit „Papa's Got a Brand New Bag“ den Funk entfesselte. Heute lebt Funk in vielen Formen weiter, einschließlich dieser aufregenden Bands aus der ganzen Welt.

Es kommt selten vor, dass ein Genre auf einen einzelnen Künstler oder eine einzelne Gruppe zurückgeführt werden kann, aber beim Funk war das James Brown. Der Godfather of Soul prägte die Phrase und den Spielstil „on the one“, bei dem der erste Downbeat betont wird, anstelle der typischen zweiten und vierten Beats in Pop, Soul und anderen Stilen. Wie David Cheal eloquent erklärt, ließ das Spielen auf der einen „Raum für Phrasen und Riffs, die oft um den Beat herum synkopiert wurden, wodurch ein kompliziertes, ineinandergreifendes Raster entstand, das immer weitergehen konnte.“ Eine funkige Basslinie erkennt man, wenn man sie hört; Seine fetten Akkorde fordern Ihren Körper dazu auf, aufzustehen und zu Grooven.

Browns Klassiker „Papa's Got a Brand New Bag“ aus dem Jahr 1965 wurde zu einem der ersten Funk-Hits und wurde im Laufe der Jahre zusammen mit seinen anderen groovigen Tracks endlos gesampelt und gecovert. Natürlich folgten in den 60er Jahren viele andere Funk-Acts, und das Genre blühte in den 70er und 80er Jahren auf, als der Disco-Trend kam und ging und die Begründer der Hip-Hop- und House-Musik neue Musik aus den starken Funk- und Disco-Elementen schufen , flexible Knochen zum Tanzen.

Der legendäre Funk-Bassist Bootsy Collins lernte die Kraft des One durch das Spielen in Browns Band und brachte sie zu George Clinton, der mit seinen verschiedenen Bands und Projekten, darunter Parliament-Funkadelic, P-Funk kreierte, eine expansive, afrofuturistische, psychedelische Erkundung des Funk . Sowohl Collins als auch Clinton bleiben aktiv und funky und haben ihre zeitlosen Grooves für Kollaborationen mit jüngeren Künstlern zur Verfügung gestellt, darunter Kali Uchis, Silk Sonic und Omar Apollo; und Kendrick Lamar, Flying Lotus bzw. Thundercat.

In den 1980er Jahren wurde Elektro-Funk geboren, als Künstler wie Afrika Bambaataa, Man Parrish und Egyptian Lover begannen, mit der Roland TR-808 Drum Machine futuristische Beats zu machen – oft mit Robotergesang, der durch eine Talkbox verzerrt wurde. Ein wesentliches Unterscheidungsmerkmal des Electro-Funk ist die geringere Betonung des Gesangs, mit mehr Phrasen als Refrains und Strophen. Der Sound beeinflusste den zeitgenössischen Hip-Hop, Funk und Electronica sowie Acts rund um den Globus, während aktuelle Acts wie Chromeo, DJ Stingray und sogar Egyptian Lover selbst den Electro-Funk am Leben erhalten.

Heutzutage lebt Funk an vielen Orten und seine schweren Bässe und synkopierten Grooves finden Eingang in viele Ecken und Winkel der Musik. Es gibt Nu-Disco und Boogie-Funk, die an Disco-Bands mit schwungvollem Gesang und an die Tanzfläche angepasster Instrumentierung erinnern. G-Funk beeinflusst weiterhin den Hip-Hop in Los Angeles, wobei innovative Künstler wie Dam-Funk und Channel Tres Funk und G-Funk ins Elektro-Territorium bringen. Das auf Funk und Disco ausgerichtete 70er-Jahre-Revival hat mit Acts wie Ghost Funk Orchestra und Parcels definitiv seinen Höhepunkt erreicht, während seine glitzernden Einsprengsel im Pop von Dua Lipa, Doja Cat und, ganz im „Soul Train“-Stil, von Silk zu hören sind Schall. Es gibt auch Acts, die verträumte, atmosphärische Musik mit einer ordentlichen Portion Funk machen, wie zum Beispiel Khruangbins globale Klangcollage.

Es gibt viele Bands, die stark mit Funk spielen und üppige Grooves kreieren, die Sie in Bewegung bringen. Lesen Sie weiter, um einen Vorgeschmack auf fünf aktuelle moderne Funk- und Nu-Disco-Künstler zu erhalten, die unter der Leitung ihrer Band Uptempo-Funk für die Tanzfläche kreieren. Drücken Sie unbedingt in der Spotify-Playlist oben auf „Play“ und schauen Sie sich die Playlist von GRAMMY.com auf Apple Music, Amazon Music und Pandora an.

Die siebenköpfige Band Say She She aus Brooklyn, die sich selbst treffend als „discodelischen Soul“ bezeichnet, macht verträumten, opernhaften Funk, angeführt von den Singer-Songwritern Nya Gazelle Brown, Piya Malik und Sabrina Mileo Cunningham. Ihre von den 70er-Jahre-Girlgroups inspirierten Gesangsharmonien hallen wider, beruhigen und verzaubern, während sie ergreifende Themen mit feministischem Flair behandeln.

Obwohl sie bereits seit einigen Jahren in der New Yorker Szene aktiv sind, haben sie mit der unwiderstehlichen Musik, die sie in diesem Jahr veröffentlichten, einschließlich ihres Debütalbums Prism, größere Anerkennung gefunden. Ihre Debütsingle „Forget Me Not“ aus dem Jahr 2022 ist eine Ode an das bahnbrechende New Yorker Kunstkollektiv Guerilla Girls und „Norma“ ist ihre Protesthymne als Reaktion auf die Nachricht, dass Roe vs. Wade gestürzt werden könnte (und wurde). Der Bandname ist eine Anspielung auf die Funk-Legende Nile Rodgers, angelehnt an den Ausruf „Le freak, c'est chi“ in Chics legendärem Lied „Le Freak“.

Moniqueas einzigartige Stimme strahlt Selbstvertrauen aus und lädt Sie dennoch ein, mit ihr zu den superfunkigen Boogie-Rhythmen zu tanzen. Der Künstler aus Pasadena, Kalifornien, wuchs mit Funkmusik auf; Ihre Mutter war in einer Coverband, die Klassiker wie „Get It Right“ von Aretha Franklin und „Love Overboard“ von Gladys Knight spielte. Mit 20 veröffentlichte Moniquea ihren ersten Boogie-Funk-Track und lernte 2011 den lokalen Produzenten XL Middelton kennen – einen echten Funk-Lieferanten. Seitdem ist sie eine Star-Künstlerin auf seinen MoFunk-Platten, und sie haben auf unzähligen Tracks zusammengearbeitet und dabei die Energie der Westküste mit einer großen Portion G-Funk, sonnigen Texten und fröhlichen, Roller-Disco-tauglichen Rhythmen kanalisiert.

Ihre neueste Veröffentlichung ist eine optimistische Anspielung auf den klassischen West Coast Funk, produziert von Middleton, und folgt auf ihr grooviges, kollabiertes Album „On Repeat“ vom Februar 2022.

Shiro Schwarz ist ein in Mexiko-Stadt ansässiges Duo, bestehend aus Pammela Rojas und Rafael Marfil, das dazu beigetragen hat, eine moderne Funkszene in der äußerst kreativen mexikanischen Metropole zu etablieren. Auf „Electrify“ – ursprünglich 2016 auf Fat Beats Records veröffentlicht und 2021 von MoFunk neu aufgelegt – kontrastieren Shiro Schwarzs Vocals spielerisch miteinander und schweben über einer eindringlichen, optimistischen Basslinie und einem 80er-Jahre-Elektro-Funk-Rhythmus mit Synthesizer-Elementen.

Ihre Musik ist sowohl nostalgisch als auch futuristisch – und es ist unmöglich, still zu bleiben. Die Single „Be Kind“ aus dem Jahr 2021 ist süß, sanft und groovig, perfekter schicker Lounge-Funk. Shiro Schwarzs neuester Track, das freudig nostalgische „Hey DJ“, ist eine Zusammenarbeit mit Funkstress Saucy Lady und U-Key.

L'Impératrice (die Kaiserin auf Französisch) ist eine sechsköpfige Pariser Gruppe, die eine ansteckend fröhliche Mischung aus französischem Pop, Nu-Disco, Funk und Psychedelia serviert. Der Gesang von Flore Benguigui ist leicht und verträumt, fesselt aber dennoch die Aufmerksamkeit, während die Texte einen feministischen Touch haben.

Während ihrer energiegeladenen Live-Sets liefern die L'Impératrice-Mitglieder Charles de Boisseguin und Hagni Gwon (Keyboards), David Gaugué (Bass), Achille Trocellier (Gitarre) und Tom Daveau (Schlagzeug) ausgedehnte instrumentale Jam-Sessions, um ihre Musik zu erweitern und zu verbinden. Gaugué betont den dicken, funkigen Bass und Benguigui hüpft über die Bühne und klingt dabei wie ein Engel. Das neueste Album von L'Impératrice, Tako Tsubo aus dem Jahr 2021, ist eine sonnige, verspielte französische Disco-Reise.

Franc Moodys Biografie beschreibt ihre Musik treffend als „einen Soul-Funk- und kosmischen Disco-Sound“. Das Londoner Outfit wurde Anfang der 2010er Jahre von den Freunden Ned Franc und Jon Moody ins Leben gerufen, als sie zusammen lebten und Partys in der Lagerhausszene im Norden Londons veranstalteten. Im Jahr 2017 wuchs die Gruppe auf sechs Mitglieder, darunter die Sängerin und Multiinstrumentalistin Amber-Simone.

Ihre Musik passt zu anderen Elektro-Pop-Bands wie den Londoner Landsleuten Jungle und der australischen Band Parcels. Während vieles davon optimistisch und euphorisch ist, taucht Franc Moody auch in die entspanntere, verträumte Welt ein, wie zum Beispiel den stimmungsvollen, sinnlichen Titelsong von ihrem kürzlich veröffentlichten Album „Into the Ether“.

Der Aufstieg des Underground House: Wie Künstler wie Fisher und Acraze Tech House und andere elektronische Genres von Indie zu EDC gebracht haben

Foto: Steven Sebring

Interview

„Einen Fuß in der Vergangenheit und einen Fuß in die Zukunft“, beschreibt Billy Idol seine jahrzehntelange Rockkarriere. „Wir haben die beste aller möglichen Welten, denn das war die Vorgehensweise von Billy Idol.“

Living Legends ist eine Serie, die Ikonen der Musik hervorhebt, die auch heute noch stark sind. Diese Woche sprach GRAMMY.com mit Billy Idol über seine neueste EP „Cage“ und das weitere Rocken durch Jahrzehnte wechselnder Geschmäcker.

Billy Idol ist ein echter Rock'n'Roll-Überlebender, der kulturelle Veränderungen und persönliche Kämpfe überstanden hat. Während manche bei Idol nur für „Rebel Yell“ und „White Wedding“ denken, sind die musikalischen Einflüsse des Sängers genreübergreifend und viele seiner Stücke sind weniger turbogeladen, als seine 80er-Jahre-Hits vermuten lassen.

Idol sorgte erstmals in der zweiten Hälfte der 70er-Jahre mit der britischen Punkband Generation Partner, Gitarrist Steve Stevens, in Ikonen. Dank Hits wie „Cradle Of Love“, „Flesh For Fantasy“ und „Eyes Without A Face“ haben sie mehrere GRAMMY-Nominierungen sowie ein Gold-, ein Doppelplatin- und vier Platin-Alben erhalten.

Aber im Gegensatz zu vielen alten Künstlern ist Idol alles andere als ein Relikt. Billy produziert weiterhin wichtige Idol-Musik, indem er mit Produzenten und Songwritern zusammenarbeitet – darunter Miley Cyrus –, die seine zukunftsorientierte Vision teilen. Er wird im November fünf Shows in Las Vegas spielen und der Filmemacher Jonas Akerlund arbeitet an einem Dokumentarfilm über Idols Leben.

Seine neueste Veröffentlichung ist „Cage“, die zweite in einer Trilogie jährlicher EPs mit vier Songs. Der Titelsong ist ein klassischer Billy Idol-Knaller, der den Wunsch zum Ausdruck bringt, sich von persönlichen Zwängen zu befreien und ein besseres Leben zu führen. Andere Tracks auf Cage beinhalten metallisches Riffing und funkige R&B-Grooves.

Idol rechnet weiterhin mit seinen Dämonen – beide kämpften in den 80er Jahren mit der Sucht – und der Sänger äußert sich auf der Platte und auf der Seite offen zu diesen Kämpfen. (Idols Memoiren „Dancing With Myself“ aus dem Jahr 2014 beschreiben einen Motorradunfall im Jahr 1990, der beinahe ein Bein gekostet hätte, und wie ihn die Tatsache, Vater zu werden, dazu brachte, harte Drogen abzulehnen. „Bitter Taste“ von seiner letzten EP „The Roadside“ denkt über das Überleben des Unfalls nach. )

Obwohl sich Idol und Stevens Ende der 80er Jahre trennten – der erfahrene Gitarrist war Frontmann von Steve Stevens & The Atomic Playboys und arbeitete mit Michael Jackson, Rick Ocasek, Vince Neil und Harold Faltermeyer (bei dem GRAMMY-prämierten „Top Gun Anthem“) zusammen – Ihre gemeinsame Geschichte und gemeinsame musikalische Verbundenheit sind unbestreitbar. Das Duo kam 2001 für eine Folge von „VH1 Storytellers“ wieder zusammen und sitzt seit zwei Jahrzehnten wieder im Sattel. Ihre Vereinigung bleibt eine der stärksten Kooperationen in der Geschichte des Rock'n'Roll.

Obwohl es in vielen seiner Arbeiten erkennbares Personal und einen unverwechselbaren Sound gibt, hat sich Billy Idol immer dazu gedrängt, andere Dinge auszuprobieren. Idol spricht über seine musikalische Reise, seinen Wunsch, sich ständig weiterzuentwickeln, und die starke Verbindung, die er mit Stevens teilt.

Steve hat gesagt, dass du gerne verschiedene Stile mischst, aber alle gehen davon aus, dass du der „Rebel Yell“/„White Wedding“-Typ bist. Aber wenn sie sich Ihren Katalog wirklich anhören, ist das ganz anders.

Ja das ist richtig. Mit jemandem wie Steve Stevens und damals produzierte Keith Forsey ... [Davor] bewegte sich die Generation X tatsächlich im Punkrock. Wir blieben nicht bei der zweiminütigen Ramones-Musik. Wir haben tatsächlich einen siebenminütigen Song gemacht. [Lacht]. Wir haben immer etwas durcheinander gebracht.

Als ich dann mit meiner Solokarriere begann, war das der Spaß daran. Bei jemandem wie Steve wusste ich, was er tun konnte. Ich konnte sehen, was immer wir tun mussten, wir konnten es schaffen. Musikalisch stand mir die Welt zu Füßen.

„Cage“ ist ein klassisch klingender Rocker von Billy Idol, dann ist „Running From The Ghost“ fast Metal, so wie das Album „Devil's Playground“ Mitte der 2000er Jahre aussah. „Miss Nobody“ kommt mit diesem Pop/R&B-Geschmack aus dem Nichts. Was hat das inspiriert?

Wir hatten so etwas wirklich nicht mehr gemacht, seit etwas wie „Flesh For Fantasy“ [das] etwas R&B-typisches an sich hatte. In den frühen Tagen von Billy Idol hatten „Hot In The City“ und „Mony Mony“ Mädchen im Hintergrund.

Wir hatten eigentlich immer ein bisschen R&B, also hat es wirklich Spaß gemacht, das noch einmal zu erleben. So etwas hatten wir einfach schon lange nicht mehr gemacht. Das war einer der Gründe, mit jemandem wie Sam Hollander [für den Song „Rita Hayworth“] bei The Roadside zusammenzuarbeiten. Wir wussten, dass wir [mit ihm] in eine R&B-Welt eintauchen könnten, und er ist ein großartiger Songwriter und Produzent. Das ist wirklich der Spaß an der Musik, diese Dinge auszuprobieren und zu sehen, ob man sie zum Bleiben bringt.

Ich höre neue Musik von erfahrenen Künstlern und diskutiere darüber mit einigen Leuten. Ich bin mir sicher, dass es Fans gibt, die ihre Nostalgie spüren wollen, und dann gibt es einige Leute, die die neueren Sachen annehmen werden. Finden Sie es eine Herausforderung, Menschen mit neuen Songs zu erreichen?

Was wir suchen, ist natürlich die Frage, wie wir irgendwie mit einem Fuß in der Vergangenheit und mit einem Fuß in der Zukunft stehen können. Wir haben die beste aller möglichen Welten, denn das war die Vorgehensweise von Billy Idol.

Sie möchten Dinge tun, die Ihnen treu sind, und Sie möchten nicht nur versuchen, Dinge zu tun, die Sie heute in den Charts sehen. Ich denke, dass wir es mit Dingen wie „Running From The Ghost“ und „Cage“ auf dieser neuen EP erreichen. Ich denke, dass wir beides in gewisser Weise schaffen.

Offensichtlich geht es in „Running From The Ghost“ um Sucht, all die Dinge, die man durchgemacht hat, und in „Cage“ geht es darum, sich von vielen persönlichen Fesseln zu befreien. Gab es einen Moment in Ihrem Leben, in dem Sie wirklich dachten, ich solle mich davon nicht noch mehr belasten lassen?

Ich meine, Dinge wie der Motorradunfall, den ich vor langer Zeit hatte, waren so etwas wie ein Weckruf. Es war vor 32 Jahren. Aber es gab vor Jahren solche Dinge, die mich nach und nach dazu brachten, darüber nachzudenken, was ich mit meinem Leben anfangen sollte. Eigentlich wollte ich es nicht ruinieren. Ich wollte es nicht wegwerfen, und es machte [mich] weniger unbekümmert.

Ich musste mir wegen der Drogen und so sagen, dass ich dort gewesen bin und es getan habe. Es hat keinen Sinn, so weiterzumachen. Höher geht es nicht. Du wolltest dein Leben nicht einfach wegwerfen, und ich war kurz davor, das zu tun. Es hat eine Weile gedauert, aber dann habe ich es nach und nach geschafft, mich mit Drogen und allem einigermaßen unter Kontrolle zu bringen. Und ich denke, Steve hat das Gleiche getan. Wir sind wirklich auf einem ähnlichen Weg, was großartig ist, weil wir in Bezug auf die Texte und so weiter im selben Boot sitzen.

Viele solcher Dinge waren also Weckrufe. Sogar Enkelkinder zu haben und einfach zuzusehen, wie meine Tochter ihre Familie vergrößert und so weiter; Es stimmt Sie einfach sehr positiv und möchte eine positive Seite Ihrer Gefühle und Ihrer Ziele zeigen. Wir haben so lange mit den Dämonen gelebt, dass wir einen Weg gefunden haben, mit ihnen zu leben. Wir haben in gewisser Weise einen Weg gefunden, mit unseren Dämonen Frieden zu finden. Vielleicht nicht ganz, aber auf jeden Fall dahingehend, dass wir Freude an dem haben, was wir tun, und uns darüber freuen.

[Beim Schreiben von] „Running From The Ghost“ war es einfach zu sagen: Was war der Geist für uns? In den 80ern waren wir einmal sehr drogenabhängig. Und insbesondere Steve ist [jetzt] super nüchtern. Ich meine, ich dampfe immer noch Gras und so. Ich weiß nicht, wie er das macht, aber es ist unglaublich. Alles, was ich tun möchte, ist, ein paar Gläser Wein in einem Restaurant oder so zu trinken. Das kann ich jetzt tun.

Ich denke, wenn man mit Menschen zusammenarbeitet, die supertalentiert sind, fühlt man sich einfach zuversichtlich. Das ist ein wichtiger Grund dafür, dass Sie sich mehr öffnen und ausdrücken, weil Sie sich mit dem, was um Sie herum ist, wohl fühlen.

Haben Sie sich die neueste Miniserie „Sex Pistols“ von Danny Boyle angesehen?

Das habe ich, ja.

Sie hatten ein paar Cameos; Nun ja, ein Schauspieler, der Sie porträtiert hat, hat es getan. Wie haben Sie darauf reagiert? Wie genau war Ihrer Meinung nach die Darstellung dieses bestimmten Zeitraums?

Ich liebe Jonesys Buch, ich fand sein Buch unglaublich. Es ist wahrscheinlich wirklich eines der besten Biobücher. Es war unglaublich und so offen. Darauf habe ich mich sehr gefreut.

Es war, als ob [die Serie] etwa zur Hälfte bei Steve [Jones‘ Memoiren] bliebe und dann wieder davon abwich. [John] Lydon zum Beispiel war nie jemand, den ich je in seiner Rolle gesehen habe; er ist heute eher so. Ich habe ihn nie so etwas tun sehen, wie in den Raum zu springen und verrückt herumzulaufen. Das einzige Mal, dass ich ihn dabei sah, war, als sie vor dem Buckingham Palace den Plattenvertrag mit Virgin unterzeichneten. Während Sid Vicious immer agierte; Er machte ständig etwas Schreckliches oder schrie jemanden an. Ich kann mich nicht erinnern, dass John so war. Ich erinnere mich, dass er viel introvertierter war.

Aber dann habe ich mir Interviews mit einigen Schauspielern angesehen, in denen es darum ging, sich mit den Rollen auseinanderzusetzen, die sie spielten. Und sie sagten, wir wussten, dass es Punkrock gab, wussten aber nichts über die Einzelheiten. Also dachte ich mir: Na gut, los geht's. Wenn „Pistol“ viele Leute informiert, die nichts über Punkrock wissen, ist das vielleicht das Gute daran.

Vielleicht bekommt John Lydon später die Chance, Johns Version der Pistols-Geschichte zu schreiben. Vielleicht geht jemand viel tiefer darauf ein und es wird nicht so oberflächlich sein. Aber vielleicht brauchten Sie das nur, um die Leute wieder in Schwung zu bringen.

Wir hatten hier in den Staaten Punk und Metal, aber es kommt mir so vor, als wäre es in England zu Recht gefährlicher. Die britische Gesellschaft war viel starrer.

In Amerika lief es nie so mega. In England kam es zu großem Erfolg. Es explodierte, als die Pistols dieses Interview mit [TV-Moderator Bill] Grundy führten, dieser LKW-Fahrer seinen Fuß in seinen eigenen Fernseher steckte, und alle nationalen Zeitungen hatten „den Dreck und die Wut“ [Schlagzeilen].

Wir sind über Nacht vom Unbekannten zum Bekannten geworden. Wir haben ein Jahr gewartet, Generation X. Wir haben ihnen [Plattenfirmen] sogar neun Monate bis ein Jahr lang Nein gesagt. Jede Plattenfirma wollte ihre eigene Punkrock-Gruppe. In England lief es wirklich mega und es beeinflusste das ganze Land – den Stil, die Mode, alles. Ich meine, die Ramones waren in England riesig. Devo hatte 1977 mit „Satisfaction“ einen Nr.-1-Song [in England]. Tatsächlich war Devo so groß oder sogar größer als die Pistols.

Du warst dem Pop-Punk-Ding, das in den späten 90ern passierte, voraus, und vieles davon wurde inzwischen ironisch. Sie hatte nicht das gleiche Gefühl der Rebellion wie die ursprüngliche Bewegung. Es war mehr Pop.

Es war ein Stil geworden. In England gab es ein berühmtes Buch mit dem Titel „Revolt Into Style“ – und genau das war geschehen, eine Revolte, die sich in Stil verwandelte, den sie dann auf ihre eigene Art nachahmen konnten. Erst kürzlich hat Billie Joe [Armstrong] seine eigene Version von „Gimme Some Truth“ gemacht, dem Lennon-Song, den wir bereits 1977 gecovert haben.

Als wir anfänglich [Punk-]Musik machten, hatte sich das noch nicht durchgesetzt. Es war immer noch gefährlich und entwickelte sich zu einem Stil, an den die Menschen gewöhnt waren. Wir durchbrachen immer noch Barrieren.

Sie haben mit Steve Jones und Paul Cook eine Band namens Generation Sex. Ich gehe davon aus, dass es euch jetzt allen leichter fällt, gemeinsam Songs von Pistols und Gen

Ja, auf jeden Fall. Als ich in Amerika ankam, sagte ich der Gruppe, die ich zusammenstellte: „Niemand spuckt ins Publikum.“

Wir wurden fünf Jahre lang [im Vereinigten Königreich] angespuckt, und das war abstoßend. Und sie haben dich angespuckt, wenn sie dich mochten. Wenn es ihnen nicht gefiel, haben sie deine Ausrüstung zerschlagen. Ich erinnere mich, dass ich eines Nachts Blut auf meinem T-Shirt sah und ich glaube, Joe Strummer bekam eine Meningitis, als Spucke in seinen Mund gelangte.

Man musste viel durchmachen, um erfolgreich zu sein. Es war nicht so, dass man einfach so hochkam und ein paar Auftritte absolvierte. Ich glaube nicht, dass einige junge Rockbands das heute wirklich verstehen.

Da Punk in England so mega angesagt ist, haben wir definitiv einen Vorsprung. Wir hatten noch viel Arbeit vor uns, um dorthin zu gelangen, wo wir angekommen sind, und das zu Recht, denn man merkt, dass man das tun muss. Viele Gruppen waren früher drei bis fünf Jahre zusammen, bevor sie überhaupt eine Platte machten, und diese Zeit ist wirklich wichtig. In gewisser Weise war das Tolle am Punkrock für mich, dass es eine Zeit des Lernens war. Ich habe wirklich viel darüber gelernt, Musik aufzunehmen, in einer Gruppe zu sein und sogar Lieder zu schreiben.

Als ich dann nach Amerika kam, war es wirklich ein Flow. Ich begann auch wirklich zu wissen, was Billy Idol sein sollte. Es hat ein bisschen gedauert, aber ich wusste irgendwie, was Billy Idol sein sollte. Und selbst das dauerte eine Weile, bis es mariniert war.

Sie und Miley Cyrus haben in den letzten Jahren eine gute Arbeitsbeziehung aufgebaut. Wie haben Ihrer Meinung nach ihre Fans auf Sie und Ihre Fans auf sie reagiert?

Ich denke, sie sind begeistert. Es liegt eher an der Plattenfirma, bei der sie „Night Crawling“ nicht wirklich verstanden hat – es war einer der besten Songs auf Plastic Hearts, und ich glaube nicht, dass sie das verstanden haben. Sie wollten sich für Dua Lipa entscheiden, sie wollten sich für die modernen, jungen Acts entscheiden, und ich glaube nicht, dass ihnen klar war, dass dieser Song bei ihren Fans Anklang fand. Was wirklich schade ist, denn mit Andrew Watt als Produzent ist es ein Hit.

Aber gleichzeitig hat es mir Spaß gemacht, es zu tun. Es ist wirklich gut geworden und es ist sehr Billy Idol. Tatsächlich denke ich, dass es eher Billy Idol als Miley Cyrus ist. Ich denke, es zeigt einem, wo Andrew Watt war. Er war begeistert davon, einen Billy-Idol-Track zu machen. Es macht Spaß, mit ihr zu arbeiten. Sie ist eine wirklich tolle Person und sie arbeitet an ihrem Gesang – ich habe ihr bei den Proben für ihren Super Bowl-Auftritt zugeschaut. Sie probte den ganzen Samstagmorgen, den ganzen Samstagnachmittag und den Sonntagmorgen, und es war an diesem Nachmittag. Ich muss ihre Standhaftigkeit bewundern. Sie kümmert sich wirklich.

Ich erinnere mich, als Sie 2005 auf „Viva La Bam“ gingen und beschlossen, Bam Margeras Lamborghini mit einer Motorsäge ein neues Schiebedach zu verpassen. Gehörte ihm das Auto? War das eine Miete?

Ich glaube, es war sein Auto.

Hat er es später verkraftet?

Er liebte es. [Lacht] Er hat einen verrückten Sinn für Humor. Eigentlich ist er fantastisch. Es tut mir wirklich leid zu sehen, was er in letzter Zeit durchgemacht hat. Er macht viel durch und ich wünsche ihm alles Gute. Er ist ein fantastischer Mensch und es ist eine Schande, dass er so sehr mit seinen Suchtproblemen zu kämpfen hat. Ich weiß, wie es ist. Es ist nicht einfach.

Wie ist musikalisch die Synergie mit euch in den letzten 10 Jahren bei „Kings and Queens of the Underground“ und diesen neuen Sachen? Wie sieht Ihre Arbeitsbeziehung heute in dieser nüchterneren, älteren und reiferen Version von Ihnen beiden aus, im Gegensatz zu dem, was es damals in den 80er Jahren war?

In vielerlei Hinsicht ist es nicht so anders, weil wir die Songs immer zusammen geschrieben haben und immer darüber gesprochen haben, was wir zusammen machen werden. Es war nur so, dass wir gleichzeitig high wurden. Wir kommen einfach nicht [so weit], aber wir machen immer noch die gleichen Dinge.

Wir reden immer noch über Dinge, planen immer noch Dinge: Was werden wir als nächstes tun? Wie finden wir neue Leute, mit denen wir zusammenarbeiten können? Wir wollen neue Produzenten finden. Seien wir etwas zeitgemäßer, wenn es darum geht, Dinge zu veröffentlichen. Dieser Teil unserer Beziehung ist derselbe, wissen Sie, was ich meine? Das wurde nie beeinträchtigt. In den 80ern waren wir einfach überlastet.

Die Beziehung ist… gereift und weiterhin fruchtbar, und ich finde das ziemlich erstaunlich. Wirklich, die meisten Leute kommen nicht an diesen Ort. Normalerweise hassen sie sich inzwischen. [Lacht] Wir geben uns auch gegenseitig Raum. Wir halten uns gegenseitig nicht davon ab, Dinge zu tun, die über das hinausgehen, woran wir gemeinsam arbeiten. All das ermöglicht uns, weiterhin zusammenzuarbeiten. Ich liebe und bewundere ihn. Ich respektiere ihn. Er war fantastisch. Ich meine, allein mit ihm auf der Bühne zu stehen, ist immer ein Vergnügen. Und er hat einen unglaublich tollen Sinn für Humor. Ich denke, das ist ein weiterer Grund, warum wir nach all der Zeit zusammenhalten können, weil wir den Sinn für Humor haben, der es uns ermöglicht, weiterzumachen.

Es gibt viele Videos mit Fanreaktionen im Internet, und mir sind viele jüngere Frauen wie „Rebel Yell“ aufgefallen, weil es hier im Gegensatz zu vielen anderen Alphamännchen-Rocksongs der 80er darum geht, den Liebhaber zu befriedigen.

Es ging um meine damalige Freundin Perri Lister. Es ging darum, wie großartig ich sie fand, wie sehr ich in sie verliebt war und wie großartig Frauen sind, wie mächtig sie sind.

Auf seltsame Weise war es so etwas wie eine feministische Hymne. Es ging darum, wie Beziehungen Sie befreien und viel zu Ihrem Leben beitragen können. Es war ein Liebesschrei, der nichts mit dem Bürgerkrieg oder ähnlichem zu tun hatte. Perri war ein großer Teil meines Lebens, ein großer Teil davon, Billy Idol zu sein. Ich wollte darüber schreiben. Ich bin froh, dass das der Effekt ist.

Gibt es etwas, von dem Sie hoffen, dass die Leute etwas von den Songs mitnehmen, die Sie in den letzten 10 Jahren gemacht haben? Ertappen Sie sich dabei, dass Sie eine Botschaft verbreiten, die sich immer wieder wiederholt?

Nun ja, ich denke, wenn überhaupt, können Sie sich mit Ihrem Leben abfinden und es im Griff behalten. Sie können Ihre Träume in gewisser Weise in die Realität umsetzen und, schauen Sie, eine Million Jahre später immer noch Freude daran haben.

Der einzige Grund, warum ich darüber singe, aus dem Käfig herauszukommen, ist, dass ich vor Jahren aus dem Käfig geworfen habe. Ich bin der Generation X beigetreten, als ich zu meinen Eltern sagte: „Ich verlasse die Universität und trete einer Punkrock-Gruppe bei.“ Und sie wussten nicht einmal, was eine Punkrockgruppe ist. Vor Jahren habe ich Dinge für mich selbst geschrieben, die mich auf diesen Weg gebracht haben, damit ich im Jahr 2022 vielleicht so etwas wie „Cage“ singen, dieses Territorium besitzen und wirklich eine gute Zeit haben kann. Das ist das Leben, das ich wollte.

Die ursprüngliche britische Punk-Bewegung stellte gesellschaftliche Normen in Frage. Trotz all der Verrücktheit, die auf der ganzen Welt herrscht, scheinen viele moderne Rockbands Angst davor zu haben, das zu tun, was ihr getan habt. Glauben Sie, dass sich da etwas ändern wird?

Ja. Kunst reagiert normalerweise auf Dinge, daher denke ich, dass es irgendwann eine massive Reaktion auf die Popmusik geben wird, die die Oberhand gewonnen hat – die Musik der Mitte der Straße und dann diese Art von rechter Politik. Es wird eine massive Reaktion geben, falls es noch keine gibt. Ich weiß nicht genau, woher es kommen wird. Man weiß nie, wer es tun wird.

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